DISPARAD AL PIANO
El creador brasilero Reinaldo Ribeiro presenta mañana y pasado su nueva creación NO/MAS/SACRE en el Mercat de les Flors, de Barcelona. De Stravinsky y La Elegida, de Brasil, Europa y el decolonialismo hablamos con él…
Texto_OMAR KHAN Fotos_NATALIA ROSHCHENKO
Madrid, 26 de febrero de 2026
No vaya haciéndose ilusiones con La consagración de la primavera. El mismo título ya se lo dice NO/MAS/SACRE (Le sacre es el título original en francés de la relevante pieza de Stravinsky). Cuando, inocentes, le preguntamos a su autor, el creador brasilero Reinaldo Ribeiro, las razones para volver sobre una de las coreografías más célebres y versionadas del siglo XX, se apresuró a hacer la aclaración. “No. No es La consagración de la primavera” y nos explicó que, de alguna manera, la pieza arrancó desde allí pero pronto cogió entidad propia, tan propia y personal que la famosa Elegida [para el sacrificio] pasó a ser el piano. El asesinato del instrumento está programado para ocurrir mañana y pasado en el Mercat de les Flors, de Barcelona.
¿Cómo surgió esta idea?
Sin pretensión alguna escribí un texto. Me había imaginado que La Elegida, de La consagración de la primavera, de Stravinsky, volvía, vestida de rojo, buscando ser reconocida después de diez años del sacrificio. Compartí el escrito con Aymará Parola, una intérprete y amiga argentina que vive en Bélgica, que me animó a que lo trabajáramos para la escena. Así que estuvimos quince días en Bruselas y otros quince en el Centro Coreográfico de La Gomera probando cosas sin una idea concreta. Yo quería hacer un trabajo como director y coreógrafo, desde fuera, sin bailar. Es una experiencia que no había tenido. Siempre he hecho obras en las que estoy dentro y veía aquí la oportunidad.
Me refería más a la idea de atacar al piano…
Quisimos hacerla con música en directo, y alejarnos de la partitura de Stravinsky. Aymará conocía a Lea Petra, una pianista que había trabajado con Ayelén Parolin y le comentó lo que hacíamos. Ella se entusiasmó y nos mandó, inicialmente, una improvisación suya de piano preparado. Conectaba con Stravinsky en la percusión, el folclor, los golpes secos. Fue entonces cuando surgió en firme la idea de NO/MAS/SACRE. Intenté tomar como base el sacrificio, no el de una doncella virgen como en el original, sino darle la vuelta en 2026, y hacer que el sacrificado fuera el piano desde el planteamiento ¿qué es el sacrificio hoy en este mundo politizado, violento, en guerra? Partí de la base de que el piano sería el protagonista, en representación del patriarcado, la burguesía, lo arcaico, la opresión, la decolonización, el machismo, la masculinidad tóxica…
¿Conecta esta pieza con su trabajo anterior, que son principalmente solos bailados por usted?
Todos mis trabajos pasan por lo biográfico, son obras personales y cuando empecé esta pieza pensaba que no, que este trabajo era diferente y no tenía nada mío, pero a lo largo del proceso comencé a caer en la cuenta de que estaba lleno de imágenes y recuerdos de mi infancia, que muchos momentos salían de la relación difícil que tuve en Brasil con mi padre, que había similitud entre la violencia que planteaba en la pieza y la que vivía con él en casa, como azotar sin piedad el piano con un cinturón. No era consciente pero llevaba la pieza a lo personal.
¿Y lo vincula también con su trabajo para el colectivo Lamajara con el que estuvo desde 2013 hasta 2020?
No. Lamajara es un capítulo aparte. Allí hacíamos un trabajo colectivo, de apoyo mutuo entre creadores. Éramos artistas que queríamos producir y hacerlo juntos. Ha sido una experiencia importante porque cada uno buscaba su relación con lo que queríamos contar, íbamos madurando nuestros intereses artísticos personales desde un colectivo. Fue un trabajo muy bonito pero para nada fácil. Hubo un aprendizaje pero en mi trabajo de hoy no veo resquicios ni ecos de aquello.
En lo que sí coincide es en temáticas tratadas insistentemente en sus solos como el decolonialismo o la identidad, temas que están hoy tan de moda en la danza…
Hay temáticas que se imponen y parece que todos vamos por el mismo cauce y nos repetimos. Parece una moda porque se ve mucho en todas partes, pero no tiene que ver con modas ni tendencias sino con que los espacios y las instituciones de Europa se abrieron tras años de centrarse en una excesiva mirada occidental y de pronto aparecimos muchos creadores llamando la atención sobre esa postura eurocéntrica. Yo no pertenezco al mainstream pero mi intención es ocupar estos espacios para generar tensiones y pensamiento sobre ciertos asuntos que no son europeos como las inquietudes de un negro, un transexual o un latino…
¿Y cómo cree que se vería y entendería desde Brasil todo el trabajo que ha desarrollado aquí, entre Tenerife y Barcelona?
Después de quince años sin ir regresé a Brasil y estando allí empecé a replantearme mi propio trabajo. Había en la danza de allí algo de emergencia, una cierta urgencia, una necesidad que yo ya no tenía, y me hizo cuestionar lo “blanqueado” que estaba mi trabajo tras pasar más de veinte años bailando y creando en Europa. Pero en septiembre llevaré a Sao Paulo y Río parte de lo que he hecho aquí como migrante. Nunca he ido a bailar allí y no es que tenga miedo pero supone reconectar con algo a lo que le di la espalda hace ya 25 años, pero soy consciente de que allá la gente de la danza se disfraza menos y va más al grano. Tienen urgencia por lo que cuentan, no importa tanto la iluminación, la escenografía o el vestuario. Importa lo que importa.
