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LO QUE SE VE (Y LO QUE NO)

Olga Mesa, pionera de la experimentación en nuestro país, directora en Estrasburgo de su compañía Hors Champ, trae este fin de semana al Mercat de les Flors, de Barcelona, su nuevo solo ‘Una mesa propia (danza de manos)’. Nos lo ha contado…

Texto_OMAR KHAN Fotos_OLGA MESA

Madrid, 17 de enero de 2026

La carrera artística de la creadora asturiana Olga Mesa se ha forjado y consolidado en Estrasburgo. Como ella misma asevera, allí ocurrieron “muchas cosas importantes y decisivas”, pero en el Madrid que abandonó en 2005 dejó una huella importante,  la de una experimentación y riesgo que ella, junto al colectivo femenino UVI-La inesperada, practicó por aquí. Por eso, siempre resulta de interés que venga a mostrarnos sus logros, que han sido muchos. El más reciente, el unipersonal Una mesa propia (danza de manos), que llega hoy y mañana al Mercat de les Flors.

¿Con qué se va a encontrar el espectador en Una mesa propia?

Mi nuevo solo es una invitación a expandir su percepción -tanto visual como sonora- dentro y alrededor de la caja escénica. Tan importante es lo que se ve, como lo que se percibe y se escucha sin ser visto. Espero efectivamente, que se encuentre con una intimidad narrativa hecha de respiraciones, espacios y memorias que conversan entre sí.

El titulo de la propuesta tiene varias connotaciones: su apellido, la evocación de Una habitación propia, de Woolf, que a su vez lleva a la libertad en la literatura de mujeres y a una reivindicación feminista… ¿converge todo ello en la pieza?

Tengo la impresión que toda mi obra en solitario son manifiestos íntimos feministas. Mi madre, Marián Suárez poeta, escritora y periodista asturiana, arrancó con su lucha por los derechos de la mujer en los últimos años del franquismo. La obra de Virginia Woolf cayó en mis manos en mi adolescencia mientras revolvía en la biblioteca de trabajo de mi madre. Mi profesora de ballet clásico en Avilés, Catherine Rezard, me regaló la autobiografía de Isadora Duncan Mi Vida a los 16 años, cuando me fui a vivir a Madrid para continuar mis estudios de danza. Durante el proceso evolutivo de todo el proyecto general de Una Mesa Propia (danza de manos) -y casi sin darme cuenta-, los recuerdos de estos pasados muy presentes en mi memoria fueron apareciendo, y alimentándose alrededor de dos poemas que seleccioné de la antología poética de mi madre Siglo XXI y El sueño de la razón. Poco a poco un corpus de textos escritos por mujeres, esas que nombras y otras presencias que fueron apareciendo - como la de Olga Ivanova Preobrazhenskaya, una de las primeras mujeres realizadoras en los orígenes del cine ruso, junto a otras anónimas-, fue haciendo crecer todo el proyecto global, en un ciclo que este 2026 terminaré con la realización del cortometraje Shooting the Waves.

¿Que papel ha jugado un asunto externo como la pandemia en esta creación?

Un papel muy importante. Durante dos meses puse en práctica un protocolo diario de lecturas, seguido de una particular danza de manos que me inventé para poder comunicarme a distancia por teléfono con mi madre enferma durante el confinamiento de aquella extraña e “inolvidable” primavera del 2020. Ese ritual íntimo fue el motor de un cortometraje que realicé ese mismo año y que, sin duda, marcó un punto de partida esencial para la obra escénica.

¿Cómo definiría esa danza de manos?

Como un juego de escalas. La danza de manos a distancia con mi madre enferma, constituyó la base de un viaje profundo hacia una comunicación no verbal llena de complicidades silenciosas. La obra escénica en sí propone algo parecido en un entorno más sofisticado, en el cual los ecos sonoros, las pequeñas y grandes danzas y. literalmente, las corrientes de aire que producen los ventiladores en escena… generan presencias frágiles, pero también -eso espero- muy sólidas y visionarias.

¿Cómo diseñó el espacio de la propuesta?

Fue construyéndose lentamente. Evidentemente la alusión a “la habitación” (propia) de Virginia Woolf ya estaba allí. Los objetos filmados de mi estudio empezaron a desplazarse y cambiar de sitio. Tras la realización del cortometraje, llevé a cabo la construcción de una instalación fílmica que podía ser atravesada por el espectador, para más tarde aterrizar en ese lugar de memorias que es para mí la caja negra, en la cual todo puede aparecer o desaparecer. La cámara es evidentemente un objeto que captura, desplaza y construye in-situ nuevas visiones y perspectivas. Pero insisto aquí en esta idea de cámara en mano, que dificulta y facilita mis desplazamientos, que guía mis danzas, que muestra, interroga y oculta mi presencia. En mi trabajo, el concepto de cuerpo operador, ese que ve y se muestra viendo, ha sido y es algo muy importante.

¿Como conecta este trabajo con el resto de su creación?

Evidentemente es una progresión. Mi interés por la especialización sonora y su relación con la imagen, el cuerpo, a veces (no)visible, la ya señalada presencia de la cámara y su prolongación en el espacio, y la mirada interrogante hacia el espectador y el mundo -entre otros-, son terrenos de investigación que van creciendo conmigo en cada nuevo proyecto.

Recurre al cine, la literatura, la acción, la plástica… ¿supone eso que la danza no le basta?

Todos estos lenguajes artísticos están íntimamente ligados a mi manera de ver la danza. En esta transversalidad creativa en la que siempre me he encontrado, no podemos decir que nada baste, ni sobre, ni falte. Los proyectos se construyen gracias al mestizaje de lenguajes y de modos de hacer provenientes de terrenos artísticos diversos.

¿Que constantes han acompañado su carrera desde la temprana Lugares Intermedios hasta Una mesa propia?

Digamos que sigue estando la mirada, algo que parece simple … Mirar en mi obra ha sido y es fundamental. Mirar para crear espacios de intimidad; mirar para entender qué es lo que mira el otro o al menos para cuestionarlo. Evidentemente entre estas dos obras, la primera que la realicé en 1992, y esta que acabo de terminar, el camino andado ha sido largo, pero mi relación íntima con la cámara y el lenguaje cinematográfico siempre ha estado presente. Tal vez en estas obras que citas, extrañamente, pudiera decir que coinciden en que no se tratan de espectáculos sino de acontecimientos. Acontecimientos del cuerpo disponible que construye una intensa gramática de sensaciones.

¿Qué aportó a su carrera la experiencia de UVI-La Inesperada, en Madrid?

La posibilidad de contextualizar, compartir y transmitir mi práctica artística junto a otras creadoras en Madrid. El poder trabajar en colectivo y no estar sola: algo fundamental para poder crecer en nuestro trabajo como artistas y. creadoras. Realmente toda la riqueza de diálogos y apoyos que recibí de mis compañeras Ana Buitrago, Blanca Calvo, Elena Córdoba, Maria Ribot y Mónica Valenciano, fue algo muy importante y necesario para poder avanzar en mi trabajo. Aún hoy nuestras relaciones amistosas y complicidades artísticas, siguen siendo realmente cómplices y fuertes. Sería muy interesante poder hablar algún día de todo esto con calma.