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LO QUE NUNCA VES

Aracaladanza, la compañía de danza para público familiar, estrena mañana ‘Loop’ en Teatros del Canal. Hemos querido saber qué la ha motivado y Enrique Cabrera, su director, nos lo ha contado...

 

 Texto JUDIT GALLART Fotos_PEDRO ARNAY

Madrid, 03 de febrero de 2022

Después del éxito de Play, Enrique Cabrera desenfunda el escenario en Loop, la nueva creación para su veterana compañía madrileña Aracaladanza, que le ha coproducido el Festival Grec, de Barcelona y que podrá verse desde mañana y hasta el próximo domingo 6 de febrero en los Teatros del Canal, de la capital. En vez de vestirlo con la magia típica de las propuestas para público familiar, va a contracorriente, y busca belleza y poesía en la caja desnuda de un escenario que, poco a poco, se va llenando de danza y los artificios escénicos que la acompañan. En la búsqueda de un espectáculo en el que prime lo visual y lo estético, huye de las narrativas convencionales, de los personajes protagónicos y las historias con principio y fin.

Para el creador argentino, que fundó su compañía en Madrid en 1995, cuando todavía los espectáculos para niños se iniciaban con el inequívoco “hola amiguito”, la imagen es un elemento fundamental que, insertado en una lógica dramatúrgica, le permite hacer incontables sugerencias en lugar de contar historias. Siempre ha sido así, desde obras sorprendentes ya lejanas como Catalina y el cubo mágico, la primera, Maletas (2000) o ¡Nada… nada¡ (2004) hasta la trilogía dedicada a grandes pintores que disparó la celebridad de la compañía: Pequeños paraísos (El Bosco, 2006), Constelaciones (Joan Miró, 2012) y Nubes (Magritte, 2009). Con Loop asegura ahora que quiere iniciar una serie sobre lo que no se ve, arropado prácticamente por el mismo equipo con el que lleva dos décadas creando: Luis Miguel Cobo, en la música, Elisa Sanz, en el vestuario y espacio escénico, Pedro Yagüe en la luz, Álvaro Luna con los vídeos y Ricardo Vergne en el atrezo.

Loop es una carta de amor a la maquinaria escénica, a los técnicos y a todo lo que hay en el teatro y la gente nunca ve”, explica. “Me he dado cuenta de que lo que más me gusta de un escenario es la maquinaria escénica, entonces Loop comienza con un escenario que se va desmontando, donde los bailarines se convierten en los técnicos. A partir de ahí trabajo con un escenario vacío que se va llenando de objetos y elementos como telas, cuerdas, o gomaespuma”.

 

¿Ha tenido alguna influencia su trilogía de los pintores en su obra posterior?

Creo que más que influencia ha sido al revés. Siempre había incluido referentes plásticos en mi producción anterior de manera consciente o inconsciente. Posteriormente, creo que los sigue habiendo porque me encanta la plástica y porque actualmente está todo muy mezclado. Veo una relación estrecha entre la danza y la plástica, Degás pintó bailarinas y Picasso pintó para los ballets de Diaghilev, entre tantos otros.

 

¿Qué tipo de sensaciones busca despertar por medio de su obra?

En general siempre intento sorprender y emocionar, que el público se emocione a través de la belleza.

 

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¿Qué busca en sus bailarines?

En primer lugar, que bailen muy bien, que tengan una buena técnica y puedan responder físicamente. Pero fundamentalmente necesito que les guste bailar. Si a un bailarín no le gusta por más técnica que tenga no voy a poder sacar nada de él. Me interesa que tengan fuerza escénica, mucha presencia. Me fijo mucho en la mirada, en cómo miran al público, y también es importante que sean buenas personas porque pasamos muchas horas juntos.

 

¿Cómo se consigue complacer tanto a niños como a adultos?

Yo no creo que haya cosas para niños y cosas para adultos. No hay un campo de girasoles para niños y otro para adultos, todo lo que hay en la naturaleza es para todo el mundo. Las percepciones de las personas varían en base a sus experiencias, pero no tanto debido a su edad.

 

¿Qué le aporta la danza para público familiar que no le da la de público adulto?

Disfruto mucho más el proceso creativo y me siento más libre. Cuando trabajo para adultos me cuestiono todo más porque entiendo que el niño no me va a cuestionar de la misma manera. Yo trato al niño como a un adulto, pero me gustaría que el adulto se sentara en la butaca como si fuera un niño.

 

Si mira su obra en conjunto ¿qué cree que ha permanecido y qué cree se ha perdido?

La libertad prevalece en todas mis obras, me siento libre para crear, pero también el juego, la alegría y la emoción. No creo que haya perdido nada, más bien ha habido una transformación, he decidido quedarme con unas cosas y dejar otras que ya no me interesan.

 

¿Tiene alguna inquietud que le gustaría desarrollar en obras futuras?

Muchas. Quiero seguir el camino que se ha iniciado en Loop, mostrar al espectador lo que no ve, convertir el escenario en otra cosa y obligar al público a trabajar, hacerlo mirar a varios lugares. Me gusta tener público inteligente, que yo les muestre algo y que piense en lo que he querido transmitir, aunque a veces saquen conclusiones que ni siquiera yo me he planteado. El público a veces hace lecturas maravillosas y me enseñan ellos más a mí que yo a ellos.

¿Cómo percibe el panorama nacional de danza para público familiar si lo compara con el de sus inicios?

En España lo veo muchísimo mejor, creo que ha cambiado la calidad artística y la factura de producción. Muchas obras tienen más calidad que otras para adultos. Creo que la danza ha enriquecido el trabajo de las compañías de teatro para niños a nivel visual. Trabajar para pequeños es algo que te tiene que gustar y no debe verse como un trabajo oportunista. Hay compañías que lo hacen con segundas intenciones y esto sí puede perjudicar el panorama, es algo que me molesta, que me duele…

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