EL SPRING FORWARD VIBRA EN GUIMARÃES
La ciudad portuguesa acoge este año al célebre Aerowaves y llena con la danza de jóvenes europeos emergentes sus calles y teatros. Allí hemos estado y así lo hemos vivido…
Texto_JUDIT GALLART Fotos_PINELOPI GERASIMOU / LOUIZA VRADI
Guimarães, 09 de mayo de 2026
Desde el pasado miércoles 06 de mayo, las calles y teatros de Guimarães —que este año ostenta con orgullo el título de Capital Verde Europea— respiran movimiento. El Spring Forward Festival ha aterrizado en la ciudad lusa para celebrar su 15º aniversario, una cita histórica que, en esta edición, coincide además con los 30 años de la Fundación Aerowaves. Creada en 1996 por John Ashford, el que fuera líder de The Place, la plataforma nació con el propósito de establecerse como un puente para que coreógrafos emergentes pudieran cruzar fronteras facilitando conexiones entre artistas, programadores y público de toda Europa.
Lo que empezó como una pequeña red en el londinense The Place Theatre es hoy una estructura cofinanciada por la Unión Europea que conecta a más de 30 países. Pero Aerowaves no es solo este festival itinerante cuya sede cambia cada año, habiendo pasado por ciudades como Liubliana, Barcelona o Eleusis; sino que su ecosistema incluye proyectos paralelos como la Springback Academy, un programa de mentoría para jóvenes críticos de danza; la Springback Magazine, que ofrece una cobertura profunda y analítica del sector, y los Springback Assemblies, encuentros que reúnen a pensadores y profesionales para debatir el futuro de las artes escénicas.
La presencia española en esta edición ha estado marcada por la coreógrafa afincada en Valencia, Inka Romaní, que ha sido seleccionada entre cientos de propuestas para formar parte de los Aerowaves Twenty26. Su obra, Volvamos al baile, fue presentada el pasado jueves en el Pequeño Auditório del Centro Cultural Vila Flor (CCVF) como una invitación directa a recuperar el placer del movimiento colectivo. Explorando el baile no solo como ejecución técnica, sino como un acto social y de resistencia, Romaní inicia toda una reflexión sobre cómo habitamos nuestros cuerpos tras tiempos de aislamiento y digitalización.
Intensa jornada
La jornada de ayer viernes continuó explorando los límites del cuerpo y la identidad con una intensa programación repartida por diversos espacios de la ciudad. El día comenzó en el Balneario Termal con una zambullida en la fisicalidad extrema y la resistencia femenina de la mano de Femme Physique / Konukroppar, una danza creada por las islandesas Gleym-mér-ei con el fin de profundizar en la relación entre cuerpo y agua, rompiendo las nociones convencionales sobre la corporeidad femenina.
Paralelamente, el CCVF acogería KINK, un trabajo experimental cargado de emociónen el que el esloveno afincado en los Países Bajos, Nik Rajšek, se retuerce y retrocede incansablemente para afirmarse en una tensión constante entre dominio y rendición. Le seguiría la rumana Simona Dabija, y su pieza BPM – Beats per Millennium, una exploración rítmica que busca conectar el pulso vital con la herencia cultural.
La tarde se desarrolló en el Teatro Jordão quedando marcada por la provocación y la vulnerabilidad con el chipriota Panos Malactos y su NO IM NOT, un trabajo en el que tres potentes bailarinas oscilaron entre el humor y la ternura para desnudar sus miedos y verdades en una búsqueda profundamente humana de la pertenencia y la expresión. Ç
Se sumarían también los trabajos de la francesa Johana Malédon explorando las narrativas de lo cotidiano, y la intervención exterior de Fabla Collective, agrupación eslovena liderada por Inan Sven Du Swami y Mojca Špik, que con su pieza Do Birds Dream of Flying? ha integrado el paisaje urbano de la Capital Verde Europea en su exploración del equilibrio y la libertad creando un poético diálogo con una escalera.
Pero sin duda la gran sorpresa de la jornada y la que lograría poner en pie al público del Grande Auditório Francisca Abreu sería IT'S THE END OF THE AMUSEMENT PHASE (en las fotos) de la griega Chara Kotsali. Una de esas piezas que no solo se ven, sino que se padecen y celebran a partes iguales a través de tres mujeres que nos invitan a transitar entre la historia personal y la colectiva.
Lo que hace que esta obra destaque sobre otras propuestas de "terror escénico" es su inteligencia política. Kotsali no se queda en el homenaje estético al género de serie B, sino que utiliza el grito y la huida como metáforas de una resistencia desesperada frente a un mundo que devora lo femenino, lo humano incluso. La banda sonora, una amalgama de texturas industriales y referencias pop distorsionadas envuelven una escena conquistada por latas de cerveza, cortezas de pizza, muñecas, pistolas e instrumentos entre otros muchos, muchísimos objetos; funcionando como el latido de una pesadilla de la que es imposible despertar, pero en la que, por primera vez, las protagonistas tienen el control del interruptor. Un angustioso y agotador cuestionamiento del “progreso” atravesado por revoluciones y bombardeos que, sin duda, llega como una de las obras más redondas y necesarias de este circuito europeo para confirmar que la danza contemporánea puede ser tan visceral como un buen thriller y tan profunda como el mejor de los ensayos sociales.
