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COREOGRAFÍAS DE CELULOIDE

Revisamos doce películas recientes para analizar cómo ha visto el cine a la danza en los años recientes. Entérate…

 

TEXTO_OMAR KHAN

Madrid, 26 de marzo de 2020

UNO. Pina

Wim Wenders. Alemania, 2011

Es la joya de la corona. Basándose en las obras de Pina Bausch, el veterano realizador Wim Wenders terminó de dar forma a la película que había planificado con la coreógrafa antes de su súbita muerte en 2009. Dispuso a los bailarines de la compañía en exteriores de la más bien sosa ciudad alemana de Wuppertal, donde tienen sede, y creó una dramaturgia propia que usaba la tecnología 3D con especial inteligencia, elevando así el atractivo visual. Con su película, emergía una nueva y seductora forma narrativa que huía como de la peste de los típicos y rutinarios documentales sobre artistas. Aquí no está la frase “Pina Bausch nació en Solingen en 1949…”, acompañada de la foto vetusta de una niñita. Aquí hay danza. Energía y vitalidad. Todo se cuenta desde la danza. Es una película perfecta para entender el universo de la coreógrafa pero al mismo tiempo, una sorprendente y novedosa propuesta cinematográfica pensada exclusivamente para expresar los valores de la danza en el cine. Imprescindible.

Lee más sobre este tema pinchando aquí 

 

 

DOS. Cunningham

Alla Kovgan. Alemania, 2019

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 La prueba fehaciente de que Pina, la película de Wim Wenders, ha transformado la manera de contar la danza en el cine sin tener que recurrir a los tópicos y rutinas del musical o el documental tradicional, es Cunningham, el novísimo filme de la realizadora alemana Alla Kovgan, que recopila un montón de material audiovisual sobre el genio norteamericano y selecciona 14 de sus coreografías para crear este delirio con aspiraciones de obra artística en sí misma. Como Wenders con Bausch, Kovgan sabe absorber el espíritu de Cunningham y contar su aventura de la posmodernidad desde su propia danza. Y aquí van dos noticias: una buena, y una mala. La emocionante es que se verá en España (su estreno estaba pautado para el 24 de abril pero ahora con el coronavirus, cualquiera sabe) y lo decepciónate es que nada de tres dimensiones. Aquí no habrán proyecciones en 3D y hay que aguantársela plana, en el 2D de toda la vida.

Lee la reseña de su estreno en el Festival de Toronto pinchando aquí

 

 

TRES. Ballets Russes

Daniel Geller, Dayna Goldfine. Estados Unidos, 2005

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 En el año 2000, tras muchas complicaciones, se logró reunir en New Orleans cerca de un centenar de ancianitos que tenían en común haber formado parte de la fascinante aventura de los Ballets Rusos a principios del siglo pasado. Al memorable evento asistieron los cineastas Daniel Geller y Dayna Goldfine que lo grabaron todo y usaron el material como base de su entrañable documental Ballet Russes, que tiene el valor de ofrecer el testimonio en primera persona de aquellos bailarines. Y uno ve a estas entrañables y elegantes señoras que parecen haber nacido con vocación para hacer calcetas y cuesta imaginarlas como las caimanas que fueron en aquella compañía de malsana competencia entre divas, como confiesan las llamadas baby ballerinas, tres feroces rivales en una compañía donde todo, absolutamente todo, era posible. De ello da cuenta, insignificante y perdido en el cuerpo de baile de aquella agrupación, Wakefield Poole, quien tras dejar la danza se haría famoso como el primer realizador de cine porno gay comercial en Estados Unidos.

 

 

 

CUATRO. El bailarín (TheWhite Crow)

Ralph Fiennes. Reino Unido, 2017

fiennes

 Ballet, lo que se dice ballet, no hay mucho. Los numerosos y efervescentes fanáticos de Nureyev seguramente quedaron muy decepcionados y enojados con Ralph Fiennes, que lejos de regodearse en el mito, hazañas, piruetas y batallitas del bailarín ruso, se centró en el episodio más tenso de su vida, su espectacular fuga a occidente en 1961, cuando el ballet Kirov, donde bailaba, ofrecía funciones en París. En realidad, The White Crow es una película política, que nos habla de cómo un jovencito y virtuoso bailarín, retratado en toda su arrogancia y pedantería, suscita un peligroso y descomunal incidente diplomático en plena Guerra Fría y nos relata cómo el ballet, la política y la vida pueden cruzar sus caminos. Destacable la tensa secuencia final en el aeropuerto, con Nureyev en medio de los buitres de la KGB y la diplomacia francesa. Notable interpretación de Oleg Ivenko como Nureyev y oportunista aparición del divo rompecorazones Serguei Polunin como su novio ruso, con un escandalosamente comercial desnudo frontal.

Lee la entrevista con Oleg Ivenko pinchando aquí… y  la reseña de la película aquí

 

 

CINCO. Yuli

Iciar Bollain. España, 2018

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 Iciar Bollain lo confiesa. De danza no sabe mucho pero a Cuba sí que la conoce, y no oculta su fascinación por aquella tierra de contradicciones. Que quiso hacer radiografía de la isla caribeña a través de la vida, no siempre fácil, del bailarín Carlos Acosta es algo que se nota en este biopic, que descarta contar el período de gloria internacional del primer bailarín negro en interpretar Romeo para el Royal Ballet (junto a Tamara Rojo) y se inclina más por los orígenes, por el empeño de un padre que veía una salida para su hijo en el legendario Ballet de Cuba, a pesar de que éste no quería bailar. Uno de los logros (en cuanto a danza) de la película de Bollain es el uso de las coreografías de la creadora catalana María Rovira para hacer avanzar la acción y no introducirlas como simple complemento estético. La presencia de Carlos Acosta como actor en la ficción que narra su vida, es un plus en este biopic nada desdeñable.

Lee la entrevista a Iciar Bollain pinchando aquí

 

SEIS. Girl

Lukas Dohnt. Bélgica, 2018

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 Recurrente, cansino y aburrido (sobre todo después de Fama) resulta el uso edulcorado de la danza en el cine para hablar de valores como la perseverancia, el esfuerzo y la tenacidad. Pero no es el caso de Girl, aunque los aplique con los mismos fines. Y es que el realizador belga Lukas Dhont hace una reafirmación del cruce entre danza y vida con la historia conmovedora de Lara, una bailarina que a la carga que supone querer triunfar en el mundo del ballet le suma su proceso de transición de hombre a mujer, una decisión que es aceptada por su padre, por sus compañeros y amigos, por su maestra y su médico, y por el entorno de la muy avanzada sociedad belga pero que, como reafirma esta contundente y conmovedora película que arrasó premios en los festivales LGTBI, no deja de ser un proceso duro, traumático y terrible para los adolescentes que lo viven. Verdaderamente extraordinaria la interpretación del bailarín Victor Polster como Lara.

Lee la reseña de la película pinchando aquí...

 

 

SIETE. El bailarín del desierto

Richard Raymond. Reino Unido, 2015

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 Los bailarines que se quejan cansinamente de lo difícil, injusto y marginado que es el mundo de la danza en Europa tendrían obligatoriamente que ver El bailarín del desierto. Ríete tú de nuestros problemas. Lo importante de la danza en esta película es que no puede haber danza. Basada en la historia real de Afshin Ghaffarian, más que su peripecia, lo que resulta insólito es constatar el esfuerzo y (auténtico) sacrificio que supone querer bailar en Irán, donde la danza por ley está prohibida. Duato, Naharin, Abramovic o Akram Khan (autor de las sorprendentes coreografías en medio del desierto que aparecen en el filme) estarían presos y serían delincuentes en aquella sociedad. El retrato es duro y desolador. No solamente por las restricciones a la danza, sino por el entorno de hostilidad y penurias que viven sus jóvenes (sin internet, contacto o información sobre el mundo). Por eso, cuando el protagonista logra salir de aquel infierno e instalarse en occidente, la narrativa se debilita y la película se cae. Pero su visionado vale la pena.

 

 

OCHO. Solo nos queda bailar

Levan Akin. Suecia, 2019

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 Aquí va otra película que parece corroborar que la danza en el cine, en años recientes, va sirviendo de vehículo y ejemplo para hablar de problemáticas sociales y políticas, como reafirmando que danza y vida se cruzan, funden y confunden constantemente. Levan Akin, realizador sueco con ascendencia georgiana, se sumerge en las entrañas de una compañía de danzas populares y tradicionales de Georgia (esas que antes de la disolución de la URSS conquistaron importantes escenarios occidentales) para desde allí narrar la hostilidad y odio generalizado de aquella sociedad hacia los homosexuales, a través del complejo despertar a la sexualidad de un joven y aventajado bailarín que se ha enamorado de su rival. El filme de Akin no es nada de lo que parece. Ni es un filme tópico LGTBI ni una edificante película de danza. Es más bien una apuesta artística personal de hondo calado. Fue un éxito durante su modesto estreno en salas españolas. Y lo merecía.

Lee la entrevista a Levan Akin pinchando aquí

 

 

NUEVE. Cisne negro

Darren Aronfsky. Estados Unidos, 2010

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 A diez años de su sorprendente estreno, parece ahora un poco sobrevalorado este delirio febril de Darren Aronfsky, que usó la dicotomía ying-yang, bueno-malo, luminoso-oscuro presente en la dualidad cisne blanco / cisne negro de El lago de los cisnes para construir un filme inquietante y barroco, confuso y asfixiante, paranoide y terrorífico, que orbita alrededor de Natalie Portman encarnando a una bailarina que debe hurgar hasta encontrar dentro de sí misma ese lado oscuro que todos tenemos. Aunque pretenciosa, la película explora con acierto la sordidez de su tema ubicándolo en el competitivo mundo de una compañía de ballet. La coreografía de Benjamin Millepied (que terminó casándose con Portman y fue célebre como accidentado y fracasado director del Ballet de la Ópera de París) es sencillamente horrorosa. Con tantas excelentes adaptaciones y modernizaciones del célebre ballet de Petipa ya existentes, no se explica por qué este filme carísimo se decanta por encargar una tan pretenciosa, antigua y de estética desfasada como ésta. Con todo, sigue siendo una película de incuestionable interés.

 

 

DIEZ. Suspiria

Luca Guadagnino.Italia, 2018

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 Las coreografías del creador canadiense Damian Jalet (colaborador habitual de Sidi Larbi Cherkaoui) para Suspiria también son antiguas y de estética desfasada pero encajan a la perfección en este filme de terror ambientado en el seno de una compañía de danza contemporánea alemana en los setenta dirigida por una madame igualita a Pina Bausch (encarnada con exquisitez por Tilda Swinton, en la foto) que resulta ser la bruja mayor de una diabólica secta satánica. Más que la danza, lo que aquí importa es el terror como lo era también en el original que le inspira, la película gore/giallo que Dario Argento estrenó en 1977 y se ubicaba en una escuela de ballet en Suiza. El viejo filme italiano, en el que anecdóticamente intervenía Miguel Bosé, es infinitamente superior a su remake, ahora firmado por Luca Guadagnino (Call me by your name) y que la supera solamente al cambiar el ballet por contemporáneo y darle un papel más relevante a las coreografías, especialmente en esa escena de puro terror en la que la protagonista presenta su danza sin saber que sus movimientos telemáticamente están matando a una de las alumnas en la habitación de al lado. Formidable.

Lee la comparativa entre las dos películas pinchando aquí … 

 

 

ONCE. El último bailarín de Mao

Bruce Beresford. Australia, 2009

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 La película del veterano Bruce Beresford narra la vida y peripecia del bailarín chino Li Cunxin recurriendo a todos los tópicos a los que previsiblemente puede acudir una película sobre la tenacidad de un bailarín en la China de Mao que logra huir a occidente. También es verdad que la historia real del virtuoso intérprete coincide con los tópicos que ha popularizado el cine. Lo que ocurre es que la falta de ingenio o inspiración le convierte en un (tele) filme rutinario y plano, que infantilmente resalta la maldad e intolerancia intrínseca del régimen chino y las bondades y sensibilidad de los norteamericanos, que aman y cuidan a sus bailarines (y a los de fuera). Mejor resuelta la primera parte, que desvela algunas de las prácticas atroces de la revolución cultural de Mao, que la segunda, ya en Estados Unidos, en la que Cunxin es retratado como un inútil que parece haber llegado de Marte y no de la China. La danza, desangelada, tampoco es para tirar cohetes.

 

 

DOCE. Dancer

Steven Cantro. Reino Unido, 2016

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 Un bailarín que, en pocas horas, hace viral un vídeo de danza con el que alcanza y seduce a millones de fanáticas es sinónimo de dinero. La vida del ucraniano Serguéi Polunin no es mejor ni peor que la de cualquier otro bailarín ruso o no, que haya triunfado en Londres, por lo que el documental de Steven Cantor, que sabe cómo pasear convenientemente su cámara por la musculatura tatuada del polémico bailarín, es puramente una operación comercial. El disfraz de enfant terrible, su sufrimiento filosófico o sus extravagancias y coqueteos con las drogas son la base de este documental, más bien intrascendente y oportunista, que obvia las zonas más oscuras de un personaje controvertido, como su lado homófobo, por lo que fue vetado en la Ópera de París, y sus ideas más radicales. Éstas son algunas de sus declaraciones públicas y en Twitter ignoradas por el filme: [A los bailarines amanerados] “Los hombres son lobos, leones. Deja de ser débil. Sé un hombre, sé un guerrero”. [A los bailarines con sobrepeso] “Si ves a un gordo suéltale un bofetón. Le será de ayuda para perder peso”. [Sobre política] “Me gusta Donald Trump porque dice la verdad”. [Sobre el hecho de haberse tatuado recientemente la cara del mandatario ruso en el pecho] “Desde niño he adorado a Putin”.

Aquí te dejamos el célebre vídeo, firmado por David Lachapelle...

 

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